畅享数字艺术的时空之旅，利郎艺术中心做到了！

99艺术 99艺术 2024-01-10

用数字艺术对服装产业进行“演绎”，让艺术对社会学进行注解的尝试，似乎还是第一次。利郎艺术中心的这场关于数字艺术的沉浸式体验展“符码演映：数字织造的路径”，首次将六位来自法国、加拿大、瑞士等地的国际先锋数字艺术家和他们的作品引入福建地区。

在被数字科技覆盖的今天，作为一种新型艺术类型的数字绘画、数字装置、数字雕塑，早已经变得不再陌生。它们不仅突破了空间的限制，更将科技与艺术的融合生成为一场穿越时空的多维体验。迷幻的光影交错放大了一切视错觉的感受；难得一见的场地尺寸带来的不只是身临其境与心跳加速的感官刺激。全息影像、交互装置、立体星云......这场展览正是一次对数字时代下时装生产、创新与可持续设计进行回应的尝试，也是技术的灵性最好的诠释。

来自中国“鞋服之都”

晋江的艺术声音

海丝艺术季——“符码演映：数字织造的路径”艺术展于9月9日在利郎艺术中心开幕。作为海丝艺术季前瞻活动之一的沉浸式数字艺术展，由客座策展人张震中策划，利郎艺术中心呈现。

海丝艺术季——“符码演映：数字织造的路径”开幕现场

六位国际数字艺术领域先锋的艺术家和他们的参展作品不仅以新的艺术创造阐释对服装产业主旨话题的思考，更探讨了数字美学、未来社会等前瞻性话题。值得注意的是，这是初次在福建地区展出多位世界先锋数字艺术家代表作品。

“符码演映：数字织造的路径”展览现场

为什么这场数字艺术展以“数字织造的路径”为名，试图为观众“织造”一场充满戏剧感的时装产业路径？真是因为展览所在地利郎艺术中心坐落于中国鞋服之都——泉州晋江，在大隐隐于晋江市中心的大环境下，这里既是赓续初心的契机，也是时代赋予的新使命。在创造美的过程中，利郎从未停歇，也一直在寻求突破。场馆内近2300平方米的沉浸式空间，将数字体验的观感程度放大到极致。正如利郎集团总裁王良星说过的，“我们不能只干那种整天和面料打交道的事，要把艺术、创意、历史、文化的内涵注入到服装里，把服装当成艺术品来做，要将时尚、创意、艺术进行到底。”

“符码演映：数字织造的路径”展览现场

用数字“织造”一场

关于时装的视觉盛宴

时装产业从设计到织造都是一个编码的过程，每一件服装都被“编”入了设计师或品牌所试图传递的理念。而对于消费者而言，却完全可以通过全新的组合，即自我的“风格”，重构传播者的符码，成为个体认同与归属的一种更为本质的表达。

“符码演映：数字织造的路径”展览现场

此次展览试图通过全球六位知名数字艺术家的作品对服装产业进行一次社会学注解。数字艺术从技术层面而言，本质正是代码的编写与解构。这些符码被艺术家转化为流动的光影，在此次展览“编码”与“织造”的同类隐喻中，象征了服装生产过程中线条、图案和面料等元素动态的变化过程。同时，数字艺术今天在“虚拟服装（virtual fashion）”领域的革命性尝试也正在开拓时装产业的发展方向与可能性。

“符码演映：数字织造的路径”展览现场

展览通过由暗至亮、自内而外的空间脉络，为观众“织造”一场充满戏剧感的时装产业路径。结合虚拟与现实技术、声音雕塑、数宇动画、沉浸式空间等，打破常规，颠覆大众对现实的视觉感知，沉浸感受数字代码具象化的流动，希望观众能够通过观察并与不同的交互装置进行互动，进一步思考对所处空间及自我识别的感知。

循着展览的方向，两个左右并置的暗空间将观众逐一引入室内，观众将首先进入“生产”与“编码”的环节。法国视觉艺术家奥利维埃·拉齐（Olivier Ratsi）以“线条”为核心的光影作品与法裔加拿大艺术家尼古拉斯·萨松（Nicolas Sassoon）令人眼花缭乱的几何“图案”变体将率先开启对这两个时装设计基本要素的沉浸式叙述。

Olivier Ratsi

《德尔塔》（DELTΔ）

特定位置装置（绘画、声音、投影、计算机、软件、循环）

奥利维埃·拉齐通常利用光和映射视频投影，创作特定场地艺术和沉浸式装置。在他的作品中，他将现实、时间、空间和物质作为一系列无形的信息概念进行探索。拉齐专注于对现实的体验和表现，以及对空间的感知，他的作品鼓励观众质疑自己对真实的解释。

Nicolas Sassoon

《连续》（CONTINUUM）

数字动画，2022

尼古拉斯·萨松利用早期计算机图形学创作出各种像素化形式和图形、摩尔图案和建筑结构。长期以来，他的作品一直关注像素和屏幕之间的张力，专注于使用像素化图案和图形作为他唯一的视觉语言，来反映它们之间的纠缠和物质性。这种对早期计算机图形学的关注是由这些图像的雕塑性、材料性、画质、局限性和诗意驱动的。

萨松的实践涉及绘画、光学艺术、动态图像和计算机图形学中的许多的抽象的历史研究。他的作品通常以抽象动画为特色，灵感来源于大气和自然力量。动画在屏幕上显示为无尽的催眠呈现，类似于满布绘画（all-over painting）或壁纸的构图。在屏幕空间内对深度和平坦度感知中，这些作品的光学特性产生张力和振荡。萨松的作品也在雕塑、版画和建筑投影等物理空间呈现，这些作品根据建筑环境进行缩放，产生定制化的观看体验。

Alex Chinneck

《回头见，鳄鱼》（In a while, Crocodile）

不锈钢、LED灯，12 × 4.5 × 2m (tbc)， 2023

循着一条逐渐变得开放的通道，展览将观众引至英国装置艺术家亚历克斯·钱尼克（Alex Chinneck）的大型灯光装置作品，以服装另一重要的构件元素“拉开”时装产业的表象，引导观众继而反思时常被忽视的“流通”环节。

亚历克斯·钱尼克的公共艺术作品横跨艺术、建筑和戏剧领域，通过对场域的介入和互动，他的公共艺术作品和雕塑俏皮地“干扰”了我们周围的世界。他以拉开建筑物的外墙、在柱子和邮筒上打结以及反重力大型装置而闻名，他的超现实主义艺术作品试图挑战我们对熟悉事物的理解。

Zimoun

236个直流马达、棉球、纸板箱，60 × 60 × 60cm，2011/2023

瑞士艺术家齐蒙（Zimoun）的声音装置作品巧妙地将包装盒赋予生命，他们似乎不再只是工具，持续的敲打逐渐唤醒它们的人格，似乎各自都有信息需要传递。

齐蒙的作品通常是针对特定场所创作的，给人以身临其境之感。艺术家通常使用日常生活和工业环境中的简单材料，如纸板、直流电机、电缆、焊丝、木制支柱或通风设备，通过机械的振荡原理，使其作品产生声音。有时他也会在作品中加入了自己研发的小部件，看似朴实无华，但一旦启动，就会产生令人寻味的音调和视觉效果——当上百个机械部件叠加组合，它们之间会产生交响乐般的视听体验。

Vincent Schwenk

《当K击打》（When K Hits）

有声三维动画、尺寸可变，2021-2023

德国艺术家文森特·施文克（Vincent Schwenk）的影像装置延续了这一讨论，在以集装箱为灵感的同时，巨大的LED屏幕又象征了广告等大众传播的流通途径。混合布料的“舞蹈”也是重新排列符码的过程，对时装的“消费”与“解码”最终回到了消费者自己手中，并进行全新个人身份构建的“再编码”。

作为一位三维数字艺术家，文森特·施文克将视觉创作技能与多学科领域连接起来。从奧格斯堡大学获得平面设计学士学位后，施文克便开始了自己在艺术和设计领域的自由职业，并担任导演、动作设计师、合伙人和教师多种角色。他的作品挑战物理空间和物品的流动形态，被赋予了充满未来主义的糖果色结构体，以及强烈的人造有机能量，通过抽象空间扩展身体，并融合成流动的雕塑和装置。

Universal Everything

《行走的城市》（Walking City）

4K 视频循环、立体声响，2014

展览最后，英国艺术团体Universal Everything的CG影像放映着一个无休止行走的变形体：有机的材质变化呈现出持续进化、再生产的力量，符码被彻底结构。在编码、解码与再编码的反复交织中，数字织造的路径没有终点，时装的含义与未来也充满了无限可能。

成立于2004年的国际媒体艺术和设计团体Universal Everything（UE），通过以新兴显示技术作为创作画布的方式，创作了基于屏幕的艺术作品。他们的作品颠覆了电影 CGI、物理模拟和实时游戏图形，创造出新形式的动态图像。这些作品时而令人身临其境，时而具有互动性，引领观众进入增强现实或虚拟现实。它存在于抽象与具象之间的平衡点——在这一点上，一丝生命的气息油然而生，技术变得充满灵性。

探索艺术之路

利郎从未停歇

一直以来，利郎集团都在努力创造美、传递美。与艺术的联动和跨界是利郎十多年来一直在坚持的事情。过去十多年里，利郎人在自己的生活里，植入了艺术的因子。

利郎艺术中心文创商店

“符码演映：数字织造的路径”艺术市集现场

作为国内首家集“文化、设计、研发”为一体的园区十年磨一剑、斥资10亿元反复打磨而成的利郎文化创意园，以海丝文化、利郎文化为纽带区，串联各个不同的功能区域，旨在为全国及全球的艺术家、设计师打造创意工作和交流的平台和时尚设计品牌的孵化基地。

“符码演映：数字织造的路径”艺术市集现场

秉承海丝文化开放包容的价值理念，利郎艺术中心致力于公共艺术体验及高品质艺术展览的落地与传播。利郎艺术中心集公共艺术体验、文化空间、艺术教育、文创商店为一体的模式，为的是让艺术进入大众视野，也提供一处能够推动城市文化艺术氛围建设、不断展示和探索艺术前沿的场所。

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